FACTORYART Plataforma de Arte Independiente

lunes 22 de septiembre de 2008

I D E A R I O - F A C T O R Y A R T

F A C T O R Y A R T

FACTORYART surge como plataforma de Arte Independiente con existencia física y virtual en su Web, abierta a toda disciplina artística planteada desde una personal elocuencia discursiva, enmarcada así en este complejo y mutante discurso del arte en el que nos encontramos actualmente. El campo de actuación de FACTORYART es realmente independiente de las instituciones oficiales y tradicionales. Carece de apoyo oficial, por lo tanto, no tiene compromisos externos que impidan su libre accionar. Esto no impide mantener relaciones de diálogo con otros espacios, compartir iniciativas, trabajar con el estado o con la empresa privada. La evolución y la situación actual de los proyectos pasan por el análisis de autogestión y contactos internos de la propia plataforma con diferentes redes de colaboración.
Los proyectos presentados por FACTORYART son sin duda de una formulación discursiva independiente, creados en cada ocasión para un espacio determinado, proponen un enunciado formal, a partir de una propuesta conceptual que justifica la selección de un conjunto de obras y textos, intentando intervenir en la memoria artística. Dicha lectura se articula desde un conjunto de operaciones críticas que el concepto propuesto por la plataforma intentará sostener con los artistas, las obras y el espacio intervenido.
El resultado obtenido de las relaciones consensuadas entre la plataforma y diversas redes colaboradoras para la creación de eventos, origina la creación de un circuito de espacios alternativos donde poder ofrecer una excelente difusión a toda una serie de propuestas dirigidas desde el equipo técnico de la plataforma, cubriendo necesidades expositivas dirigidas a galerías de arte, instituciones sociales y culturales, entre otras.
Con un propósito, otorgar una correcta promoción de artistas plásticos y sus proyectos que se encuentren identificados e integrados dentro de las propuestas ofrecidas por FACTORYART. Dando así a conocer su obra y originar contactos e intercambios de información para generar un conocimiento mutuo de la difusión que se pretende alcanzar con estos actos. En cuanto a la difusión de los eventos somos los más interesados en que estos se cubran correctamente en prensa y otros medios de comunicación, poniéndonos en contacto con ellos y facilitándoles toda la información que nos sea requerida. También en el blog informamos de los eventos que realizamos para que estos no sean olvidados tras su finalización, con extensa información sobre los artistas y sus obras que participan en nuestros proyectos. Entre los objetivos del blog también se encuentra generar nuevos proyectos con los que integrar a la plataforma disciplinas como teatro independiente, Arte en red, etc.

Nuestro objetivo de ensanchar fronteras lingüísticas dentro de este mutante mundo del arte y fortalecer nuestra joven plataforma independiente de arte, nos insta a pedir vuestra colaboración, tanto a artistas de cualquier disciplina, como a nuevos espacios y redes que estén interesados en colaborar con nuestra plataforma de arte independiente.
Pequeños pero sólidos pasos para generar importantes proyectos...

Manuel Sánchez Oms – Doctor en Historia del Arte

La noción de forma obtiene un sentido nuevo: no es una envoltura sino una integridad dinámica y concreta que tiene un contenido en sí misma, fuera de toda correlación (…) A la vez era superado el esteticismo, la admiración de ciertos elementos de la forma conscientementes aislados del “fondo”.
Boris Michailovich Eichenbaum, 1925

Tras la apertura de su página web, Encuentro se presenta como la primera actividad de Factoryart, entidad definida como “plataforma de arte independiente”. Tal y como su propio título indica, se invita a una serie de creadores a converger en una exposición que recorrerá una parte significativa de las ciudades españolas.

En esta exposición de su principal objetivo ya surgen términos y conceptos que deben ser esclarecidos. “Encuentro” debe ser entendido como un paralelo a”grupo” o “colectivo”, incluso negándolo. No hay interacción estilística ni temática predeterminada, ni tan siquiera existe un lazo generacional dada la disparidad de edades entre los partícipes. Habiendo tomado la iniciativa el escultor Miguel Ángel Punter, tal y como él mismo afirma no se parte de unos preliminares estilísticos, ni de unos valores estéticos a defender colectivamente, sino de la simple y llana conversación (desde física y espacial hasta hablada, dado que las piezas expuestas interaccionan desde su objetividad), a partir de la cual una inmensidad de posibilidades puede generarse. No existen la premisas y, sin ellas, las preconcepciones se ahogan. Se trata de partir de lo que hay, tan sólo aportando el mínimo motor de activación que, en este caso, lo constituye la invitación a los espectadores y a los artistas a participar en una segregación informativa y expresiva dentro de unos marcos definitorios: la institución cultural (galería, sala expositiva), la cual pasa a ser casi al mismo instante el tema de debate en sus relaciones con la creatividad. Pero a diferencia de la cantidad de artistas que desde la década de 1960 vienen negando o cuestionando mediante la simulación esta capacidad definitoria de lo que es arte y lo que no lo es, Encuentro no acomoda ningún somier crítico, tampoco hace un llamamiento a una huelga artística frente a las instituciones que la reifican –ello implicaría una aceptación previa de la autonomía del arte y del artista frente al resto de la sociedad. Simplemente apela a la anticipación de la iniciativa creativa en estas relaciones con las instituciones públicas y privadas, lo que a día de hoy, tras el enorme papel que ha adquirido la figura del comisario como representante o intermediario en las relaciones entre las salas institucionales y los creadores (incluso la creatividad en sí misma), y el retorno a los auras de profesionalidad frente al diletantismo nervioso y convulsivo de buena parte del panorama artístico del siglo pasado, esto equivaldría a la autogestión creativa, tal y como lo entiende Antón Castro. Este texto mismo no quiere presentar ni representar a nadie, yo no he sido invitado para un cometido idealista semejante, agotado y agónico, sino para chapotear en las teclas de mi ordenador, así como mis compañeros lo hacen entre metales, óleos, acrílicos, tiralíneas, barros, escopetas, compases y cartabones.

Quizás se trate de un paso modesto y para muchos ingenuo, pero no cabe duda de que se nos propone un primer avance consistente en exponer simplemente lo que resta, lo que late tras décadas de dialéctica histórica entre la negación artística y la afirmación institucional, el único camino posible para alcanzar lo que desde hace más de un siglo no ha acabado por llegar: la construcción material de nuestro entorno en base a la poesía, la primera de las ciencias, la de las apariencias (“¿La poesía? Ella no existe donde la creemos. Ella existe fuera de las palabras, del estilo, etc. es por lo que estoy encantado de leer libros muy mal escritos”, reza el surrealista Pierre Naville). En la actualidad, y quizás realmente a lo largo de la historia del arte, el artista sólo puede ser concebido como un investigador, tal y como Miguel Ángel Punter explora las potencialidades escultóricas de ciertos insectos, Norberto Fuentes revive objetos desechados por el consumo mediante la mimesis de la mimesis pictórica tergiversadora y a su vez antropomórfica, o Alfonso Escudero explota la dimensión gestual de ruedas y neumáticos como posibilidad de recuperación de la conciencia temporal de la civilización. Para ello, para alcanzar sus propias capacidades, el creador siente la necesidad de tomar conciencia de su situación y resistirse a ilustrar los conflictos espectaculares de la Administración, o a replantear las relaciones artista-espectador, ya sea mediante la apropiación, la reconstrucción o el simulacro -en un palabra la imagen-, relaciones que, fortalecidas tras décadas de crítica-crítica (al fin y al cabo ilustraciones de sus páginas), en cualquier caso luchan por establecer la unilateralidad que en el cine y la televisión, así como en el resto de los espectáculos subordinados, ya da claras muestras de decaimiento y desgaste técnico.

Por lo tanto, claro está que aquí “arte independiente” no se refiere a una propuesta estética que por su propia configuración quede libre de las capacidades reificadoras de la Administración, sino que apunta a su organización y exhibición. Ni siquiera plantea desde el interior de las obras nuevas relaciones con el espectador, lo que habría supuesto imposiciones temáticas a los invitados (algo muy corriente en las colectivas de hoy en día como consecuencia del estatus adquirido rápidamente por la figura del comisario o “curador” de exposiciones). Aborda de manera directa lo que en parte denomina Hal Foster “dimensión horizontal” del arte actual, aunque para este autor este concepto adquiere una dimensión temática muy importante (con él explica la extensión temática del arte actual a nuevos temas del “otro”, es decir, el feminismo, la homosexualidad, el racismo, el sida, etc.), la cual es apartada totalmente en el asunto que nos ocupa. Insistimos: se rescata lo que queda latente, lo que existe en las voluntades y necesidades creativas para que sirva de base a cualquier propuesta consecuente, de ahí el término “plataforma” que tan bien integra la dimensión horizontal del arte: ¿qué papel ocupa?, ¿en qué medida se manifiesta?, ¿qué función adquiere aquél que se considera artista?, ¿cuál es su relación frente a los hechos objetivos de la naturaleza –natural o social- que de por sí ya vienen cargados de una gran riqueza aparente? Esta distinción de la dimensión horizontal del arte relega a la verticalidad no sólo los contenidos estilísticos y propiamente formales. En este caso y más allá de las simulaciones, los temas entran en erección junto con el formalismo para despejar las verdaderas inquietudes acerca del futuro de la creatividad. Retomamos la vieja cuestión de la forma y el contenido para hacer del contenedor la propuesta propiamente dicha, la invitación a nuevas posibilidades de organización, mientras que tanto el tema como la forma, así como el material, son abandonados a su objetualidad, pues desde el formalismo ruso conocemos la capacidad de la forma de presentarse como su propio contenido, sólo que ahora este contenido verdaderamente es una recapitulación de las iniciativas del artista frente a la anestésica costumbre que poco a poco va imponiendo el “llamamiento institucional”, porque más allá de las diatribas entre forma y contenido, contenedor y tema, está la coherencia entre la creatividad y su cofre de presentaciones, y es en este último punto donde desvelamos la dimensión que el término “factoryart” adquiere en su propósito.

Los productivistas soviéticos, aunque severamente críticos con aquello que denominaron “formalismo”, recogieron de la generación anterior de artistas e intelectuales la necesidad de una coherencia entre el contenido y la forma mediante el término faktura en su propósito de diluir el arte en el desarrollo industrial del nuevo estado soviético: el material exige sus formas, las texturas emanan directamente del material, la fábrica del arte necesita de un marco adecuado de manifestación para poder desencadenar su producción. Al fin y al cabo, la Guerra del Atlántico sólo se ganó cuando los portaviones estuvieron a punto para servir de plataforma a los “décollages” de los ataques aéreos.